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Juego de máscaras, la identidad como ficción

Manifestación y representación pública, el Carnaval es rito, fiesta, juego y símbolo. El Carnaval es una gran performance, una teatralización en la que máscaras, disfraces, caretas, antifaces y maquillajes son elementos imprescindibles para la creación de personajes. A modo de elemento vehiculador, el Carnaval nos servirá para presentar una exposición integrada por  más de medio centenar de piezas, que nos muestran el lado más subversivo de la fiesta y una reflexión sobre la construcción de identidades y sobre la ambigüedad de las mismas. Obras de Sarah Lucas, Martín y SiciliaJorge Ribalta, Cindy Sherman o Andy Warhol, para celebrar el Carnaval en el Centro de Arte La Regenta, del 22 de febrero al 20 de  abril. Entrada gratuita.

Juego de máscaras, la identidad como ficción

Juego de máscaras. La identidad como ficción, es una exposición que toma como punto de partida la celebración del Carnaval, concebido en este caso como un acto subversivo. Integrada por más de medio centenar de piezas -entre pinturas, vídeos, instalaciones y fotografías-, esta muestra ofrece una reflexión sobre la construcción y la creación de identidades y sobre la ambigüedad de las mismas. Entre las obras que se exhiben en esta colectiva destacan unas polaroids de Andy Warhol, los autorretratos de Sarah Lucas y Cindy Sherman, un vídeo de Martín Sastre, unas fotografías de Jorge Ribalta y de Douglas Gordon.

Patrocinada por la empresa JTI y comisariada por la responsable del Departamento de Exposiciones Temporales de TEA, Yolanda Peralta, Juego de máscaras reúne la obra de artistas  que se adentran en la noción de género como constructo sociocultural que puede ser deconstruido e incluso parodiado. Las piezas que conforman Juego de máscaras hablan de las diferentes posibilidades del ser, antes rígido y hermético y ahora maleable, para mostrar una de las inquietudes y deseos de la sociedad contemporánea, que es además la esencia misma del Carnaval: la voluntad de cambiar de identidad difuminando las categorías y poniendo en entredicho la propia definición del yo, subvirtiendo las normas y traspasando los límites.

La muestra incluye, además, obras firmadas por artistas internacionales, nacionales y locales entre los que se encuentran Ana Laura Alaéz, Manu Arregui, Yasumasa Morimura, Valerie Belin, Patricia y Marie-France Martin, Christian Stromholm, Pedro Meyer, Joel-Peter Witkin, Julia Galán Serrano o Pierre Moliner, entre otros.

La mitad de las obras de Juego de máscaras pertenecen a la Colección de TEA Tenerife Espacio de las Artes, mientras que la otra parte de las piezas han sido cedidas o prestadas para la ocasión por artistas como Laura Gherardi, Roberto Rodríguez Ro.Ro, Martín y Sicilia, Chris Hotz, Cristóbal Tabares, Encarneviva y Yapci Ramos. Además se exhiben en formato digital una serie de fotografías antiguas del Carnaval, imágenes pertenecientes a los fondos del Centro de Fotografía Isla de Tenerife y a los de la Fundación para la Etnografía y el Desarrollo de la Artesanía Canaria (Fedac) del Cabildo de Gran Canaria.

En las obras que conforman esta exposición y que datan de los años 50 hasta la actualidad se puede apreciar como los artistas recurren al empleo de máscaras, de disfraces o maquillajes como estrategias para crear nuevas identidades. En este sentido, destaca la idea de la máscara en sí, un elemento muy recurrente en las fiestas de Carnaval, celebración a la que el Centro de Arte La Regenta no es la primera vez que se acerca, pues en 1989 acogió en sus salas la exposición ‘Carnaval de Venezia’. Ahora, las máscaras empleadas por el ser humano desde la antigüedad, vuelven a La Regenta para analizar el comportamiento del cambio de identidades y no con un fin festivo.

El travestismo también está también muy presente en esta colectiva. Así mediante el uso de vestimentas y complementos socialmente delimitados para el sexo opuesto se cuestionan las identidades de género estableciendo nuevas opciones y nuevas posibilidades. No obstante, ya han sido muchos los artistas (como puede ser el caso de Duchamp o Warhol) los que han recurrido a él con la idea de transgredir las normas o los límites que existen entre lo masculino y lo femenino. Así, el replanteamiento de nuevas identidades o la acción lúdica de estas, se puede apreciar también en el campo de la música.


Manu Arregui. Santander, 1970. Pertenece a la nueva generación de artistas que ve en el arte un instrumento para la transformación social, un aparato, que interactúa y comparte espacio con otros como el cine, la publicidad, la moda, la música popular, etc. Produce toda su obra desde su modesto PC y se ha especializado en el modelado digital en tres dimensiones, un terreno asociado a los video juegos y a la industria del entretenimiento de Hollywood, dos campos cruciales para la transmisión ideológica a los sectores más jóvenes.

Ana Laura Alaez. Bilbao, 1964. Es una de nuestras artistas más internacionales, muy conocida por sus trabajos en escultura, fotografía, vídeo, instalación, música, y proyectos espaciales, pero tal vez se desconoce la intensidad de su obra y la conexión con su universo íntimo, así como el modo en que entiende la creación como una negociación arte-vida. Tras un fulgurante despegue, que la encumbró  hasta el pabellón Español de La Bienal de Venecia en 2001, la artista se replegó en su estudio para dibujar con minuciosidad y precisión una obra madura en la que no solo se evidencia su aclamado regreso a la escultura; también logra conectar todos sus intereses: trasgresión y poesía; luz y arquitecturas efímeras… valientes autorretratos… fortaleza y debilidad… naturalidad y artificialidad. La belleza… en cada gesto cotidiano. El tratamiento del espacio como extensión del cuerpo y del objeto, ha sido otro de sus campos de trabajo, entendiendo las  instalaciones tanto físicamente como virtualmente, en el diseño de espacios imaginados. Frecuentemente, estos espacios son lugares de percepción y experiencia para el público.

Martín y Sicilia. José Arturo Martín y Javier Sicilia, Santa Cruz de Tenerife, 1974 y 1971. Trabajan juntos como artistas desde 1995, cuando realizaron su primera exposición individual en el Ateneo de La Laguna. A partir de ahí, han ido desarrollando en los últimos años un proyecto artístico de enorme interés: comprometido, relevante, maduro y consolidado que daría a su obra un alcance internacional. Su trabajo se desarrolla en series temáticas más o menos diferenciadas, realizadas en formatos “tradicionales” (pintura, dibujo, fotografía e instalación), que toman siempre como referencia la narrativa pictórica, cuya concepción más clásica acostumbran “enrazar” con otras retóricas visuales: la ilustración y el cartel, el fotoperiodismo, la representación teatral, el lenguaje cinematográfico, incluso ciertos recursos publicitarios. Con estos ingredientes construyen una trama o estructura visual característica, en el que las figuras de los propios artistas son protagonistas de la representación, como personajes que escenifican los papeles principales de sus obras.

Julia Galán Serrano. Castellón, 1963. Es profesora titular del Departamento de Ingeniería de sistemas industriales y Diseño de la Universidad Jaume I de Castellón. Actualmente compagina su trabajo artístico con la investigación sobre diseño y arte contemporáneo. Esta artista crea un lenguaje narrativo complejo en cada una de sus obras. Formas orgánicas y motivos geométricos se yuxtaponen en una clara preferencia por la esquematización. Colores planos, perfiles, siluetas, signos del presente y símbolos del pasado, se conjugan en este lenguaje ambiguo que propone su discurso a través de la confrontación de lo antagónico.

Pedro Meyer. Es uno de los pioneros y más reconocidos representantes de la fotografía contemporánea. Fue el fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y el organizador de los primeros tres Coloquios Latinoamericanos de Fotografía. Además de su trabajo artístico y fotográfico, ha sido maestro en varias instituciones de prestigio así como también curador, editor, fundador y director del destacado portal web Zone Zero. Su trabajo ha sido presentado en más de 260 exhibiciones en museos y galerías alrededor del mundo y forma parte de colecciones permanentes muy importantes como el Museo Nacional de Arte de China en Beijing, el museo de Arte de Akron en Ohio y el Museo de Queens en Nueva York, entre otros. Ha recibido numerosos premios en las Bienales de Fotografía Mexicana y recibió la primera beca destinada a un proyecto para la Web, otorgada por la Fundación Rockfeller. En 2007 creó la Fundación Pedro Meyer para contribuir a la reflexión, interpretación e investigación en lo que se refiere a la imagen fotográfica dentro del marco de las nuevas tecnologías. Actualmente es el director de esta Fundación y un artista muy prolífico cuyo trabajo personal constantemente despierta preguntas filosóficas y explora cambios tecnológicos.

Joel-Peter Witkin. Nueva York, 1939. Trabajó durante tres años como fotógrafo de guerra en la Guerra del Vietnam. A finales de los años 60 trabajó como fotógrafo freelance y fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió escultura obteniendo un master en Bellas artes por la Universidad de Nuevo México en Alburquerque. Sus fotos suelen involucrar temas como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales, enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos.

Laura Gherardi. Roma, 1969. Afincada en Tenerife desde 1991, a donde llegó gracias a una Beca Erasmus para estudiar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, desde entonces, esta creadora -licenciada en Bellas Artes por la Academia de Bellas Artes de Roma- vive y trabaja entre Santa Cruz de Tenerife y Roma. Con más de veinte años de experiencia ha participado en numerosas muestras colectivas e individuales.

Douglas Gordon. Glasgow, 1966. Es responsable de algunas de las creaciones artísticas más interesantes de los últimos años, trabajando en campos que abarcan desde la cinematografía hasta las instalaciones audiovisuales o el texto escrito, convirtiéndolo en uno de esos artistas que parecen negarse a ser clasificados dentro de un estilo o tendencia. A través de formas e imágenes contemporáneas, su trabajo produce encuentros extraños; utiliza películas de reciente factura e imágenes fotográficas para construir situaciones que aluden a tradiciones oscuras y antiguas, a un mundo de miedos y supersticiones, a la alquimia y transformaciones inexplicables.

Yasumasa Morimura. Japón, 1951. A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías a color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo-instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales. Sin embargo su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral, pues mediante un elaborado maquillaje, accesorios, trajes, y un agudo narcisismo, se transforma en los personajes de los grandes clásicos, dando una nueva identidad a las grandes obras canónicas. Sus series son obras basadas en pinturas de Frida Kahlo, Velázquez o Goya. Su habilidad para satirizar y crear al mismo tiempo un homenaje a su material de origen es lo que hace el trabajo de Morimura particularmente contundente y eficaz.

Jorge Ribalta. Barcelona, 1963. Fotógrafo, comisario de exposiciones y crítico de arte. Ha trabajado como curador en el Centro de Arte Santa Mónica, en el Museo Nacional de Arte de Cataluña y más recientemente ha comisariado los proyectos Joan Colom. Fotografías de Barcelona, 1958-1964 (Ministerio de Cultura-Fundación Telefónica, Madrid, 2004) y Jo Spence. Más allá de la imagen perfecta. Fotografía, subjetividad, antagonismo (MACBA, Barcelona, 2005). Entre sus publicaciones más recientes se encuentran Habitaciones (Breogán, 2000), Efecto real: Debates posmodernos sobre fotografía (Gustavo Gili, 2004) e Historias de la fotografía española. Escritos 1977-2004 (Jorge Ribalta, 2009). Es jefe del Departamento de Actividades Culturales del MACBA.

Cindy Sherman. Nueva Jersey, 1954. Es conocida sobre todo por sus series de autorretratos conceptuales, en los que escenifica situaciones con vestuario y recursos para dar a las fotografías la apariencia de un fotograma cinematográfico, usando estética y planos propios del cine negro. En otras series personifica protagonistas masculinos de pinturas clásicas o se usa a sí misma como vehículo para comentar una variedad de temas del mundo moderno: el rol de la mujer, el rol del artista y muchos más. Es a través de esas ambiguas y eléctricas fotografías que Sherman ha desarrollado una marca de estilo propia. A través de sus diferentes series ha generado preguntas desafiantes y significativas acerca del rol y la representación de la mujer en la sociedad, en los medios y sobre la naturaleza de la creación en el arte.

Patricia y Marie-France Martin. Las hermanas Martin nacieron en el valle del Ródano, en Suiza. Estudiaron en L’Ecole des Beaux Arts de París y ahora viven en Bruselas y Lyon. Utilizando sus propias vidas como punto de partida para las investigaciones performativas, integran diferentes medios como el dibujo, bandas sonoras, bordados, las imágenes de la historia del arte, instalación, pintura, fotografía, escultura y video. Ellas inventan identidades múltiples en sus narraciones.

Roberto Rodríguez Ro.Ro. Tenerife, 1981. Pertenece a esa nueva generación de artistas emergentes canarios. Licenciado en BB AA por la ULL en el 2008, Ro.Ro ha seguido formándose dentro y fuera de las islas. Tras su paso por Berlín, ciudad a la que se trasladó hace unos años para trabajar como asistente de artistas y seguir trabajando en su propio proyecto, regresó a las islas para exponer parte de lo vivido. Su trabajo siempre se ha caracterizado por una entrega total a lo frívolo y lo kistch y siempre ha insistido en mostrar lo absurdo que rodea a la figura humana y al mundo propio de esta.

Pierre Molinier (Burdeos, 1900-1976). Comenzó su carrera realizando pinturas de paisajes que pronto encaminaría su obra hacia un fetichista erotismo salvaje. Sus autorretratos travetidos fueron una forma de experimentar la androginia, pero también le convierten en uno de los precursores del body art. La técnica que empleaba normalmente para realizar estos autorretratos era el fotomontaje combinando diferentes tomas parciales de su cuerpo.

Christer Strömholm. Suecia, 1918-2002. Se hizo famoso por sus fotografías sobre los ambientes existenciales de París. Una de las series más aclamadas de Strömholm fue la que dedicó a los transexuales de la Place Blanche de París, a los que tomó fotos en las décadas de los años 50 y 60. Unas fotografías en las que se ven algunas de las claves del resto de sus trabajos, que reconoce tener influencias de Duchamp, Man Ray y de la forma de pensar de Le Corbusier. Para Strömholm lo importante siempre fue lo que quería transmitir con la imagen, aunque en ocasiones solo fuera consciente de ello una vez revelada la misma, y esa actitud era más importante que la verdad fotográfica que luego tomaba forma en sus imágenes, tanto las que tienen a personas como centro como aquellas otras en las que son las calles de la ciudad, niños detrás de cristales que dejan traslucir su desconcierto o un cesto que contiene partes desmembradas de muñecas capaces de dejar una sensación de inquietud en el espectador. Se puede decir que en su obra se dan cita un puñado de personas que se salen de lo común, un acercamiento muy personal a todos ellos y un tratamiento técnico también muy particular.

Encarneviva. Sus creaciones juegan con el desnudo pero añaden nuevos aspectos a su inconfundible firma. El artista fabrica el entorno con la misma concepción artística con la que plantea a sus modelos cada nueva aventura. Para él la obra es una evolución, desea seguir experimentando. En sus exposiciones plantea un trabajo reflexionado y cuidadosamente concebido. Es colaborador en revistas como “lagenda”, “musicalia”, el fanzine “ilustraciones” editado en Barcelona. Ha realizado fotografía para catálogos de arte como por ejemplo el de la exposición viviendo en el limbo de Carlos Rivero, las portadas de los cd de grupos como Hot Vulcan Stompers, Keiko, EvilMrSod, Double Six o Marvel Hill. Ha participado en exposiciones colectivas como la Vienal Off celebrada en la Casa de la Juventud del Puerto de la Cruz. Abierto por Vacaciones y Take Away Art en la Galería de Arte Stunt de La Laguna, y ha colgado sus obras en diversos locales como el Blues Bar o La Tertulia en La Laguna.

Cristóbal Tabares. Santa Cruz de Tenerife, 1984. Licenciado en Bellas Artes por la ULL, ha perfeccionado su técnica en Granada y Segovia, con sendas becas que le llevaron a la Península. Se identifica con una generación de jóvenes creadores que siguen similares patrones, aunque temáticas diferentes. Sus técnicas preferidas son el óleo y el acrílico, buscando que sus creaciones hablen por sí solas y plasmando sensaciones.

Yapci Ramos. Tenerife, 1977. Es licenciada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad Europea de Madrid. Tras residir en la capital española y Londres, fijó su residencia entre Barcelona y Tenerife. Su obra respira espontaneidad, naturalidad y frescura persiguiendo un estilo realista e intimista. Trabaja en analógico sacando muchas fotografías intentando capturar la imagen ideal, la que para ella es perfecta. Ha exhibido su trabajo fotográfico en eventos como Activarte y en su currículum figuran una veintena de exposiciones y actividades. Ha participado en La Fountain Art Fair durante el Armory Arts weekend New York; en el Sound Proof Festival en Hacney, Londres (en un proyecto multimedia en colaboración con Barbara Held y Matt Davis en el marco de las Olimpiadas) y en Women’s Voices Now en Los Angeles. Destaca su participación en la II Trienal de Luanda (Angola) y en la 8ème Rencontres Africaines de la Photographie de Bamako (Malí). En 2010, durante el año dual España-Rusia, formó parte de la retrospectiva de videoartistas españoles en Rusia en la Solyanka State Gallery de Moscú. Su obra formó parte del comisariado de la Película de Julio Medem Caótica Ana en 2007.

Andy Warhol. Pittsburgh, 1928 – Nueva York, 1987. Fue artista y cineasta, desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Valérie Belin. París, 1964.  Esta fotógrafa nunca ha concebido la fotografía como una forma de registrar lo que ve, sino que trabaja en una especie de simbiosis con la esencia luminosa del propio medio fotográfico. En su trabajo, retoma el clásico tema de la naturaleza muerta y vanidades. Trabaja siempre con series pero entre sus imágenes pueden encontrarse todo tipo de objetos. En sus primeros ensayos, realizados con floreros y vasos de cristal se observa una búsqueda de la luz de los objetos, en un proceso primario muy próximo al origen de la fotografía. Sin embargo en sus trabajos posteriores puede verse un tratamiento diferente, tal vez más pictórico, una búsqueda entre realidad y fantasía. Ha realizado numerosas exposiciones individuales en Europa, Estados Unidos y Japón. Su obra se encuentra en numerosas colecciones privadas, públicas y empresariales de todo el mundo, incluyendo el MOMA de Nueva York; Fondation Cartier pour l’art contemporain en París, la Colección de Arte UBS, San Francisco Museum of Modern Art, Los Angeles County Museum of Art, la JP Morgan Chase Programa de Arte de Nueva York y el Marsella Huis en Amsterdam.

Sarah Lucas. Londres, 1962. Es una artista que ha tenido reconocimiento en el grupo de los Jóvenes Artistas Británicos YBA’s en los años 1990. Su obra es conocida por su agudo ingenio puesto al servicio de la crítica y el uso de elementos ready-made.  El sentido de su obra no puede ser otro que el de la provocación, como buena representante de ese grupo de Jóvenes Artistas Británicos. Se incluye a sí misma en muchas de sus obras, fotografiándose en poses que se consideran propias de lo masculino: sentada con las piernas abiertas, vestida con chaqueta de cuero y gafas de sol… En otras ocasiones, recurre a composiciones que remiten a naturalezas muertas, pero en las que los elementos vegetales (pepinos, melones…) adquieren una connotación equívoca relacionada con el sexo o, mejor, con el sexismo y su denuncia.

Oliver Behrmann. Santa Cruz de Tenerife, 1973. Ha compaginado sus estudios de Bellas Artes con actividades como ilustrador, diseñador gráfico y fotógrafo freelance para varios medios de comunicación, editoriales y productoras tanto de las Islas, como de la Península. Ha participado en publicaciones como Skate Magazine, Underground y No Way, además de ser coautor, junto a Lohre, de dos documentales. En su currículum también figuran exposiciones individuales y colectivas, sin desligarse nunca del arte urbano y multimedia, y experimentando con fotografía, vídeo y performance. Desde 2010 ha realizado cerca de cincuenta actuaciones de videocreaciones en directo, tanto en solitario como junto a Christian Lohre (formando DELAYTV) en Tenerife, Madrid y Berlin.

Martín Sastre. Uruguay, 1976. Es director de cine y artista contemporáneo que trabaja películas, vídeo, escultura, fotografía y dibujo. Artista de prestigio mundial gracias a sus originales videocreaciones, reflexiones sobre la cultura de masas y el imaginario pop. Ganador del Premio ALMA al Mejor Guion y la Biznaga de Plata a la Mejor Película en Zonazine del Festival de Málaga de Cine Español de 2011. En el año 2002 es becado por la Fundación Carolina para residir en Madrid donde realiza una de las obras referenciales del Arte Actual, la Trilogía Iberoamericana, una trilogía de vídeos formada por Videoart: The Iberoamerican Legend,Montevideo: The Dark Side of the Pop y Bolivia 3: Confederation Next.

 

Juego de máscaras, la identidad como ficción Centro de Arte La Regenta

Juego de máscaras. La identidad como ficción.
Exposición colectiva multidisciplinar

Fechas Del 22 de febrero al 20 de abril de 2013
Inauguración: Viernes 22 de febrero, 20.30h

Entrada gratuita

Centro de Arte La Regenta
c/ León y Castillo, 427
35007 Las Palmas de Gran Canaria
Islas Canarias – España

Horario de sala
Martes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas /
sábados de 11:00 a 14:00 horas / domingos, lunes y festivos cerrado

Comisariado
Yolanda Peralta Sierra

Producción
TEA Tenerife Espacio de las Artes

Patrocina
JT International
JT International

Colaboran
Centro de Fotografía Isla de Tenerife, Cabildo de Tenerife
Centro de Fotografía Isla de Tenerife, Cabildo de Tenerife

Colección Ordóñez Falcón, Cabildo de Tenerife
Colección Ordóñez Falcón, Cabildo de Tenerife

Fundación para la Etnografía y el Desarrollo de la Artesanía Canaria, Cabildo de Gran Canaria
Fundación para la Etnografía y el Desarrollo de la Artesanía Canaria, Cabildo de Gran Canaria

Gobierno de Canarias

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